The experience of extinction, at a crossroads between life and death, induces a motive to reconsider the essence of life. The sorrow arising from extinction subverts the notion of obsession that made up the world setting oneself as the center, and follows with a consideration of the permanence of the object. The dying fate of the precious person creates overwhelming fear and pain that are completely isolated, but the reality is only flowing through the present surprisingly solidly. In this blatant reality, opposition to other beings, which are still absolute and eternal, takes place one's inside mind, and the antipathy is expressed as a side of consciousness.



MANSION9 is pleased to introduce Koh Hon, an artist who creates the most democratic works with original techniques arising from personal wounds through extinction in . Koh Hon draws images through the process of grinding, which repeatedly wounds on an aluminum plate which is a unique material. His painting, which is finely scratched with fine-grained blades of various sizes, is bent to each depth on a solid plane, and creates an original image that freely crosses the boundary between flat painting and three-dimensional sculpture. Through repetitive grinding, the sharp lights captured by the artist gather and are recreated as a cross-section of various icon such as human body, nature, and city.



Thirty years ago, the world of Koh Hon's artwork began from the personal narrative of his father's death. He recalls that his eyes touched the cold metal, which was shining alone in the fierce hopital room where life and death came and went. The light that was reflected and glistened by sunlight, contradicting the coldness delivered from the metal material; the contrasting characteristics of the brilliantly luminous light that captured life and death, that is, our lifetime, and became an opportunity to decide to work on an aluminum plate with prominent material specificity. The unique essence of Koh Hon's artwork is in the grinding technique that has been going on for about 25 years, and the story of the image expressed on the plate screen is constantly changing. In the absence of his father, animosity toward the objects of the “world that works forever” leads to repeated wounds on the aluminum surface.



The title of the exhibition and the main series of artworks by Koh Hon for more than a decade, PULSE, refers to flow, rhythm and wave, and directs a collection of countless nonrepresentational points in one word. The wounds formed by the delicate grinding look like dots of abstraction when viewed closely and the image constructed by the dots can be checked when viewed from a distance. The entire process, in which small dots are gathered and connected and contained as a pictorial element, is felt and moved by countless waves on a floating plane. In addition, Koh Hon's Pulse series provide a fairly democratic element of appreciation in that the curved wounds on the surface sparkle and actively experience the beating of light depending on many external factors, such as direction of light, such as sunlight, and the gaze of the viewer looking at the work.



Through solo show last year, he focused on nature's objects that began life and headed toward death. Though his attention was paid to the texture of the tree's rings, the surface of the moon, and the leaf veins, the new works presented in maintain Pulse's proposition but express permanence as an invisible attribute. The process of visualizing the source of “human desire”, which exists indefinitely throughout the times, is embodied in the image of a stone pagoda. The wishful act of stacking stones praying for luck metaphorically contains the nature of invisible desire. The artist personally visited Baekdamsa Temple in Inje, Gangwon-do, to observe and photograph the stone pagodas that will be the subject of the work, and the collected sources are reborn as detailed traces of light through the artist's hand. In addition, the variation of colors boldly expressed in various colors is thought as an unprecendented new attempt by the artist.



Aluminum is a non-ferrous metal created relatively recently by modern civilization, and the artist's uniqueness can be seen behind the unique material. Koh Hon's pilosopy and ideology, which pursues the value of traditional painting but constantly seeks and develops contemporary art in an experimental and advanced direction, are expressed on the aluminum surface. Koh Hon is the first generation of Korean iron plate grinding work, and his artworks, which were recongnized for their excellence by winning the Grand Prize at the 2001 Central Art Exhibition, only two years after his debut in the art world in 1999. Also his works were collected in leading institutions such as the MMCA(Museum of Modern and Contemporary Art) Art Bank, the Government Art Bank, the Hoam Museum of Art, and the Bosnia Herzegovina National Museum of Art.



생과 사의 기로에 놓이며 소멸에 관한 경험은 삶의 본질을 재고하는 동기를 유발한다. 소멸로부터 기인하는 비애는 나 자신이 중심이 되어 세상을 이루던 집착의 관념을 전복시키며, 대상의 영속성에 대한 고찰로 뒤따른다. 소중한 이의 꺼지는 운명은 완전히 유리되어버리는 압도적인 두려움과 고통을 자아내지만 현실은 놀랍도록 견고하게 유지된 채 현재를 흘러가고 있을 뿐 이다. 이러한 뻔뻔스러운 실상은 여전히 절대적이고 영원불변한 타존재들에 대한 반발심이 내면에 자리잡으며, 그 반감이 의식의 한 켠으로 표출된다.

맨션나인은 에서 소멸을 통한 개인적인 상처에서 비롯된 독창적인 기법으로 가장 민주적인 작품을 탄생시키는 고헌 작가를 소개한다. 고헌 작가는 알루미늄 철판이라는 독특한 소재에 반복적으로 상처를 내는 그라인딩Grinding 작업과정을 통해 이미지를 그려낸다. 다양한 크기의 세공기 날들로 세밀하게 긁어낸 고헌 작가의 회화는 단단한 평면 위 제 각각의 깊이로 굴곡지며, 평면회화와 3차원 조각의 경계를 자유롭게 넘나드는 독창적인 이미지를 창안한다. 반복적인 그라인딩을 통해 작가에게 포착된 날카로운 빛들은 모이고 모여 인체, 자연, 도시 등의 다양한 도상들의 단면으로 재창조된다.

30년 전, 아버지의 병환과 죽음이라는 개인적 서사로부터 고헌 작가의 작품세계가 시작된다. 삶과 죽음이 오가던 치열했던 병실 안, 홀로 반짝이고 있던 차가운 금속에 시선이 닿았다고 회상한다. 금속의 재료에서 전해지는 차가움에 모순되는, 햇빛에 반사되며 반짝이던 빛; 눈부시게 발광하는 그 상반된 특성이 삶과 죽음, 곧 우리 일생을 담으며 재료 특수성이 두드러지는 알루미늄 철판 작업을 결심하는 계기가 되었다. 고헌 작가의 작품 특유의 본질은 약 25년간 이어오고 있는 그라인딩 기법에 있으며, 화면에 표현되는 도상의 스토리는 지속적으로 변화한다. 아버지의 부재 속에도 ‘영원불변히 작용하는 세계(世界)’의 대상들에 대한 반감은 알루미늄 표면에 반복적인 상처내기로 이어진다.

이번 전시의 제목이자 고헌 작가가 10여년 째 지속하는 주된 작품 시리즈인 PULSE는 맥과 흐름, 리듬과 파동을 뜻하며 무수히 많은 비구상적인 점들의 집합체를 한 단어로 지시한다. 섬세한 그라인딩으로 형성된 상처들은 가까이서 보면 마치 추상의 점면도처럼 보이며 이미지가 직관적으로 그려지지 않지만, 원거리에서 볼 시 점이 구축하는 이미지를 확인할 수 있다. 작은 점들이 모이고 연결되며 회화적 요소로 담기는 전 과정은, 부동의 평면 위 헤아릴 수 없는 수많은 파동들이 느껴지며 움직임을 자아낸다. 또한 작품을 비추는 조명 혹은 햇빛과 같은 자연광의 방향, 작품을 바라보는 관람객의 시선 등 많은 외적 요인들에 따라 표면의 굴곡진 상처들이 반짝이며 빛의 고동(鼓動)을 적극적으로 체험해 볼 수 있다는 점에서 고헌 작가의 Pulse연작들은 상당히 민주적인 감상요소를 제공한다.

지난 해 개인전을 통해 작가는 생(生)을 시작함과 동시에 죽음을 향해 나아가는 자연의 대상물에 집중하였다. 나무의 나이테, 달의 표면, 식물의 잎맥들의 질감과 텍스처에 주목을 하였다면 에서 선보이는 신작들에서는 Pulse의 명제는 유지하되 비가시적 속성으로 영속성을 표현한다. 시대에 걸쳐 무한히 존재하는 “인간의 욕망”, 그 근원을 시각화 하는 과정은 돌탑의 이미지로 구현된다. 무운을 빌며 돌을 쌓는 소망적인 행위는 비가시적 욕망의 성질을 은유적으로 담는다. 작가는 직접 강원도 인제의 백담사를 방문하여 작품의 소재가 될 돌탑을 관찰 및 촬영을 하였고, 수집된 소스들은 작가의 손을 거쳐 세밀한 빛의 흔적들로 재탄생 된다. 더불어, 전반적으로 모노톤의 색감에서 과감히 표현되는 색상들의 변주는 전례 없는 작가의 새로운 시도로 이해해 볼 수 있다.

알루미늄은 현대문명에 의해 비교적 근래에 창조된 비철금속으로 독특한 재료 이면에 작가의 고유성을 엿볼 수 있다. 전통회화의 가치를 추구하되 실험적이며 발전된 방향으로 끊임없이 현대미술을 모색하고 전개하는 고헌 작가의 철학과 이념이 알루미늄 표면을 통해 표출된다. 고헌 작가는 대한민국 철판 그라인딩 작업의 1세대이며, 1999년 미술계 데뷔 후 2년만인 2001년 중앙미술대전에서 대상을 수상하며 그 우수한 작품성을 인정받은 그의 작품들은 국립현대미술관 미술은행, 정부미술은행, 호암미술관, 보스니아헤르첸코비나 국립미술관 등 유수한 기관들에 소장되어 있다.