Mansion 9 will present Kim Mi-sook’s solo exhibition from October 12. Kim Mi-sook has expressed the fleeting beauty of flowers and women with the unique colors and luster of lacquer painting. This exhibition aims to provide a venue for a deeper understanding of Kim Mi-sook’s world of art by examining how ‘the beauty of the moment’ and the unique working method of lacquer painting intersect. In addition, through a new work that reinterprets Andy Warhol’s as lacquer painting, the exhibition aims to convey the new charm of lacquer painting.



Touched by… Hand-made



The expression ‘pitch-black’ darkness comes from the meaning of ‘black and glossy like lacquer.’ The sap that comes out when a lacquer tree is scratched is called lacquer, and lacquer has strong antiseptic, windproof, and fire-resistant properties, so it has been used in various crafts. Lacquerware is expensive and its quality varies depending on the weather of the year, and it is difficult to obtain, and because of its disadvantage of lacquer rising, it was not easy to use as a painting material. However, lacquerware already had the potential to be a painting, because the word “painting” (柒) also comes from lacquerware. There are only a handful of lacquerware artists in Korea, and artists like Kim Mi-sook, who paints portraits, are even rarer. Kim Mi-sook uses not only lacquerware but also mother-of-pearl, gold leaf, and silver leaf, as well as other traditional craft techniques. Therefore, Kim Mi-sook’s lacquerware is not a painting completed with a brush, but a painting completed by hand. The added effort of the hands allows for a depth of color and gloss that cannot be found in ordinary paintings. In addition, lacquerware is a work that can be touched and felt, and because it can be directly sensed and experienced with the hands, it has a wider and deeper sensory experience than ordinary paintings. Lacquerware is a work that starts with the hands and is completed by the hands. Touched by… Touching the Heart

Artist Kim Mi-sook continues to create lacquer paintings with the theme of flowers and women. Flowers bloom briefly and wither, and the beauty of women gradually loses its luster in the face of the merciless passage of time. This fleeting beauty gains new life as the beauty of a thousand years in Kim Mi-sook’s lacquer paintings. In particular, the process of creating lacquer paintings conveys the theme of fleeting beauty in a more authentic way.

Until flowers bloom, until a girl becomes a woman, the moment of climax is always accompanied by a long period of wandering and hardship. The same goes for lacquer paintings. Lacquer paintings must endure the arduous process of filling in, sanding, and filling in again before they finally gain light. During the process, not only does the lacquer rise, but it also takes time and effort to repeat coloring and sanding several times. Artist Kim Mi-sook does not shy away from this hardship, and by faithfully completing even the smallest processes, she captures the fleeting moment as an eternal moment. Therefore, the flowers and women painted by Kim Mi-sook are not simply a tribute to temporary and finite beauty. Rather, they are closer to a tribute to the efforts and growing pains that go into blooming as flowers.

In addition, rather than regretting the beauty of the fleeting moment that has passed, Kim Mi-sook chose to endlessly polish it so that it could be preserved forever. The artist willingly grinds away and peels away the darkness, and puts color back on old memories that have faded and shines light on them. The artist says that even if there are some flaws while grinding away the darkness, a more powerful beauty can be gained through the scars of time. The flowers and women in her lacquer paintings will continue to shine forever without withering.



Touched by… Tactile

The series, which is being presented for the first time in this solo exhibition, is a work that shows Kim Mi-sook’s experimentalism and challenging spirit. Kim Mi-sook slightly twists Andy Warhol’s philosophy that “there is nothing behind the work, just look at the surface,” and draws viewers deep into the work. Kim Mi-sook's redrawn Warhol flowers capture attention with the deep colors and gloss of lacquer painting and the sparkle of mother-of-pearl beyond the intuitive flower form. It expresses the most pop work in the least pop manner. Unlike Warhol's silkscreens, which are printed identically from start to finish, Kim Mi-sook's flowers are meaningful in that they bloom one by one through the artist's hands. The complex process of applying color, drying at the appropriate temperature and humidity, and sanding again must be repeated several times for a single flower to bloom. Unlike silkscreens, which are printed all at once, lacquer painting is a process that is completed slowly as if performing a task. The depth of lacquer painting comes from this process. While pop art is limited to visually captivating the eyes, Kim Mi-sook adds texture and depth to her work, including a tactile feeling. Therefore, Warhol's flowers and Kim Mi-sook's flowers are different but the same, and the same but different.



맨션나인은 10월 12일부터 김미숙 작가의 개인전 를 선보인다. 김미숙 작가는 옻칠화만의 독특한 색감과 특유의 광택으로 꽃과 여인이 가진 찰나의 아름다움을 표현해왔다. 이번 전시에서는 ‘찰나의 아름다움’과 옻칠화의 독특한 작업 방식이 어떻게 맞닿아 있는지 살펴봄으로써 김미숙 작가의 작품 세계를 깊이 있게 이해할 수 있는 장을 마련하고자 한다. 또한 앤디 워홀의 를 옻칠화로 재해석한 신작을 통해, 옻칠화의 새로운 매력을 전달하고자 한다.



Touched by… 손으로 완성된

‘칠흑’같은 어둠이라는 표현에서 칠흑은 ‘옻칠처럼 검고 광택있다’는 뜻에서 나왔다. 옻나무에 상처를 내면 나오는 진액을 칠이라 하는데, 옻은 강한 방부성, 방풍성, 내화성을 가지고 있어 다양한 공예품에 활용되어 왔다. 옻칠은 그 해의 날씨에 따라 품질이 달라지고, 채취가 어려운 고가의 재료인데다 옻이 오르는 단점으로 인해 회화의 재료로 사용하기에는 쉽지 않았다. 하지만 옻칠은 이미 회화로서의 가능성을 가지고 있었는데, ‘색을 칠(柒)하다’의 칠 역시 옻칠에서 유래된 말이기 때문이다. 국내에서도 옻칠화 작가는 손에 꼽을 정도인데, 특히 김미숙 작가와 같이 인물화를 그리는 작가는 더욱 드물다. 김미숙 작가는 옻칠뿐만 아니라 자개, 금박, 은박 등 전통 공예 기법을 두루 함께 활용한다. 그러므로 김미숙 작가의 옻칠화는 붓으로 완성되는 그림이 아니라, 손으로 완성하는 그림이라 할 수 있다. 손의 수고로움이 더해져 일반적인 회화에서는 볼 수 없는 깊이 있는 색감과 광택을 만날 수 있는 것이다. 또한 옻칠화는 만질 수 있고 만져도 되는 작품으로, 손으로 직접 감각하고 경험할 수 있다는 점에서 일반적인 회화보다 감각의 경험치가 넓고 깊다. 손에서 시작해, 손으로 완성되는 작품이 바로 옻칠화이다.



Touched by… 마음을 어루만지는

김미숙 작가는 꽃과 여인을 주제로 옻칠화 작업을 이어 오고 있다. 꽃은 짧게 피었다 지고, 여인의 아름다움은 무정한 세월 앞에 점차 빛을 잃는다. 이러한 찰나의 아름다움은 김미숙 작가의 옻칠화 속에서 천 년의 아름다움으로 새로운 생명을 얻는다. 특히 옻칠화의 작업 과정은 찰나의 아름다움이라는 작품의 주제를 더욱 진정성 있게 전달한다.

꽃을 피우기까지, 소녀가 여인이 되기까지, 절정의 순간은 언제나 기나긴 방황과 고난의 시기를 동반한다. 옻칠화도 마찬가지이다. 옻칠화는 색을 채우고 갈아내고 다시 채우는 지난한 반복의 과정을 견디고 견뎌야 마침내 빛을 얻는다. 작업 과정에서 옻이 오르는 것은 물론이고, 몇 번이고 채색과 사포질을 반복하며 시간과 공을 들여야 한다. 김미숙 작가는 이러한 수고로움을 마다하지 않고, 사소한 과정까지 성실히 해냄으로써 찰나를 영원의 순간으로 붙잡는다. 그러므로 김미숙 작가가 그린 꽃과 여인은 단순히 일시적이고 유한한 아름다움에 대한 찬사가 아니다. 오히려 꽃으로 피어나기까지의 노력과 성장통에 대한 찬사에 가깝다.

또한 김미숙 작가는 지나간 찰나의 아름다움에 아쉬워하기 보다, 그것을 영원히 간직할 수 있도록 끝없이 연마하는 쪽을 선택했다. 작가는 기꺼이 어둠을 갈아내고 벗겨내며, 빛이 바랜 오래된 기억에 다시 색을 얹고 빛을 비춘다. 작가는 어둠을 갈아내며 비록 흠이 좀 날지라도, 세월의 상처로 인해 더 강인한 아름다움을 얻을 수 있다고 말한다. 앞으로도 그녀의 옻칠화 속 꽃과 여인은 시들지 않고 영원히 빛날 것이다.



Touched by… 촉각적인

이번 개인전에서 처음 선보이는 <앤디워홀_플라워>시리즈는 김미숙 작가의 실험성과 도전정신이 엿보이는 작품이다. 김미숙 작가는 ‘작품의 이면에는 아무것도 없다, 표면만 보라’고 말하는 앤디워홀의 철학을 살짝 비틀어, 관람객을 작품 안으로 깊숙이 끌어당긴다. 김미숙 작가가 다시 그린 워홀의 플라워는, 직관적인 꽃의 형태 너머로 옻칠화의 깊이 있는 색과 광택, 자개의 반짝임이 시선을 붙잡는다. 가장 팝(POP)적인 작품을 가장 팝적이지 않은 방식으로 표현하는 것이다. 하나부터 열까지 똑같이 찍어낸 워홀의 실크스크린과 달리, 김미숙 작가의 꽃은 하나하나 작가의 손을 거쳐 피어났다는 점에서 의미가 있다. 색을 올리고 적절한 온도와 습도에서 말렸다가 다시 사포로 갈아내는 복잡한 과정을 몇 번이고 반복해야 꽃 한 송이가 피어난다. 단번에 찍어 나오는 실크스크린과 달리, 옻칠화는 천천히 수행하듯 완성시켜 나가는 작업이다. 옻칠화의 깊이는 이러한 작업 과정에서 나온다. 팝아트가 시각적으로 눈을 매혹시키는 것에 머무를 때, 김미숙 작가는 질감을 더하고 깊이를 더해 촉각적인 느낌까지 작품 안에 담아낸다. 그러므로 워홀의 플라워와 김미숙 작가의 꽃은 다르지만 같고, 같지만 다르다.